Polícia & Ladrão

Não importa quão necessária ou justificável

seja uma guerra, ela será sempre um crime.

––  Ernest Hemingway (1899-1961).   

 

Um dia a socióloga Julita Lemgruber acordou com a decisão de contar sua história de “mulher forte” no comando dos presídios do Rio de Janeiro. A intenção resultou em um livro tão breve quanto emblemático. Em "A Dona das Chaves" (Editora Record), escrito em parceria com a jornalista Anabela Paiva, a socióloga abre as portas do mundo das cadeias e penitenciárias do Rio de Janeiro e resgata um capítulo importante da tragédia carioca.

Narrado como um thriller policial, a mistura de relato autobiográfico, livro-reportagem e depoimento em primeira pessoa começa com um capítulo eletrizante ("Diretora do Desipe morre em assalto") e prossegue com fôlego por mais 36 capítulos que reconstituem uma trajetória marcante de 1991 a 1994, período em que a socióloga assumiu no Rio e permaneceu no posto pioneiro de primeira mulher no Brasil a ocupar o cargo de direção de uma rede de presídios do Estado, com 10 mil presos e 2.300 agentes.

De 1994 até os recentes acontecimentos policiais no Rio de Janeiro, o que mudou no cenário da segurança pública para os cariocas e brasileiros? – pergunto a ela em entrevista por telefone. "O que mudou? O que mudou é que houve um agravamento da situação, com presídios superlotados, violência e corrupção. Os atores do processo mudaram, mas no geral a situação está infinitamente mais grave", destaca Julita Lemgruber. "Os problemas hoje são os mesmos porque, nestes 20 anos, não houve nenhum presidente ou programa de governo voltado para a criação de um sistema penitenciário decente no Brasil", dispara.

     

  

Polícia & Ladrão: no alto, uma vista da favela
da Rocinha, na zona sul do Rio de Janeiro,
considerada a maior favela do Brasil, com
mais de 70 mil moradores, e a capa do livro

A Dona das Chaves. Acima, duas referências
da malandragem carioca na música popular,
o Kid Morengueira, Moreira da Silva (1902-2000),
e Bezerra da Silva (1927-2005). Também acima,
a capa da primeira revista em quadrinhos do
Vigilante Rodoviário, personagem que teve
origem na primeira série nacional de sucesso
na televisão brasileira, uma produção da

TV Tupi em 1961 e 1962; e o cartaz original

e cenas de um grande sucesso de público e crítica

no cinema nacional, O Assalto ao Trem Pagador,

filme de 1962 de Roberto Farias, que tem no elenco
Reginaldo Faria, Grande Otelo e Eliezer Gomes. 

 

Também acima, o Morro da Mangueira, no

Rio de Janeiro, em fotografia de 1965. Abaixo,
o cartaz e imagens de outro grande sucesso do
cinema nacional, O Bandido da Luz Vermelha,
filme de 1968 de Rogério Sganzerla, de cenas
de duas adaptações da literatura com tramas
policiais que se tornaram clássicos premiados
do cinema brasileiro: mulher (Irma Alvarez) seduz
um amante (Reginaldo Faria) para assassinar o

marido que a maltrata em Porto das Caixas,

filme de 1962, estreia de Paulo Cesar Saraceni
na direção, com roteiro do escritor Lúcio Cardoso;
e uma cena de Cidade de Deus, filme de 2002,
adaptação do livro de Paulo Lins para o cinema,
com direção de Fernando Meirelles e Kátia Lund

A narrativa envolvente tecida por "A Dona das Chaves" é didática nas informações sobre o sistema carcerário e expõe a situação precária dos presos, a violência e as dificuldades para a resolução dos problemas – pontuada pelas reflexões de Lemgruber, que revela um mundo desconhecido do público e uma atuação que tocou em polêmicas, marcada por vitórias e derrotas, surpresas e decepções.

"O que assistimos no Brasil é uma continuidade dramática do crime e da tragédia do sistema penitenciário, resultado de um desprezo histórico", destaca a socióloga. Ela explica que o projeto do livro começou quando ficou amiga de Anabela Paiva em 2004. Na época, a jornalista juntou-se ao grupo de pesquisas do Centro de Estudos de Segurança e Cidadania, dirigido por Lemgruber.

"Em 2008, tivemos a certeza de que da amizade poderia nascer um projeto que fosse além do trabalho de pesquisa. Daí até a publicação do livro foi um passo, mas um passo de muito trabalho e de muitas versões e tentativas", recorda. Julita, autora de obras acadêmicas, queria contar com sabor jornalístico as histórias vividas como diretora do sistema penitenciário. O resultado é "A Dona das Chaves", um livro que parece ficção, recheado de suspense e de reviravoltas dramáticas.

O chefe da tropa

Enquanto "A Dona das Chaves" parece um filme policial, a trajetória do cinema brasileiro nas últimas décadas é marcada por filmes policiais que são sucesso de público e crítica, de "Assalto ao Trem Pagador" e "O Bandido da Luz Vermelha" no Cinema Novo dos anos 1960 aos recentes "Carandiru" e "Cidade de Deus". Dois livros de Luiz Eduardo Soares estão na origem do sucesso - e um sucesso como poucos: os recordistas de bilheteria "Tropa de Elite" 1 & 2.

"Imagina o drama do policial que vai todos os dias às zonas de guerra e depois retorna de ônibus para casa e para a normalidade no final do expediente. Isso é muito surrealista", comentou Soares em entrevista por telefone, à vésperas de vir a Belo Horizonte participar de um debate sobre seus livros no projeto Sempre um Papo. Antes de falar sobre seu novo livro, Soares fez questão de destacar que não exerce nenhum cargo público e que há algum tempo trocou o gabinete pelas ruas.

Cientista social e antropólogo com extensa atuação como pesquisador e gestor público, Soares participou do Governo do Estado do Rio de Janeiro, à frente da Secretaria de Segurança Pública e como coordenador de Segurança, Justiça e Cidadania. Na época, chegou a denunciar a "banda podre" da Polícia do Rio, mas após uma polêmica em que teria defendido a atitude do cineasta João Moreira Salles (que realizava com Kátia Lund, em 1998-1999, sob encomenda da TV francesa, o documentário "Notícias de uma Guerra Particular" e, supostamente, pagava mesada ao traficante Marcinho VP), Soares foi demitido ao vivo, no telejornal "RJ-TV", pelo então governador Anthony Garotinho.

Polícia & Ladrão: filmes do diretor
e roteirista Hector Babenco que se
tornaram campeões de bilheteria.
Acima, Pixote, A Lei do Mais Fraco,
de 1981, e Lúcio Flávio, O Passageiro
da Agonia, de 1977. Abaixo, o cartaz
de Carandiru, de 2003, seguido por
cena de Tropa de Elite 2 (2010), pelos
cartazes de Notícias de uma Guerra
Particular (1999), de Katia Lund e
João Moreira Salles, e Cidade de Deus

(2002), de Fernando Meirelles e Katia
Lund. Também abaixo, um manifestante

em protesto na Cinelândia, centro do

Rio de Janeiro, ergue cartaz pedindo

mais educação e menos caveirão

(nome que os cariocas deram para as

viaturas blindadas da Polícia Militar,

em fotografia de Daniel Ramalho.

No alto da página e no final
do texto, registros da ocupação da
favela da Rocinha, no Rio de Janeiro,
em 2011, que mobilizou 3 mil policiais,
em fotos de Marino Azevedo (ABR)

Desde que deixou os cargos junto ao Governo do Rio, Soares também exerceu o cargo de Secretário Nacional de Segurança Pública no primeiro Governo Lula, concluiu seu pós-doutorado, atuou como professor visitante de universidades dos EUA (Columbia, Virgínia, Pittsburgh) e foi o idealizador das propostas para a área de segurança pública da senadora e candidata à Presidência da República nas últimas eleições Marina Silva.

Atualmente professor universitário, Soares tem aparecido na mídia quase sempre no papel de escritor: ele é autor de uma dúzia de livros de sucesso, entre eles "Meu Casaco de General" (Companhia das Letras), relato biográfico sobre sua experiência na Segurança Pública do Rio de Janeiro. Soares também divide com Cláudio Ferraz, André Batista e Rodrigo Pimentel a autoria de "Elite da Tropa 2" (Editora Nova Fronteira), destaque nas listas de mais vendidos. Combinação de literatura e jornalismo, é um livro difícil de definir, construído em diálogo com José Padilha e a equipe de "Tropa de Elite". 

Na entrevista que fiz com ele por telefone, Luiz Eduardo Soares explica que os dois livros e os dois filmes são autônomos, ainda que compartilhem os mesmos assuntos, referências e intenções. "Não existe uma fórmula para escrever a tese certa e vencer", ele diz, enquanto avalia que o segredo do sucesso dos dois "Elite da Tropa" foi desvendar a rotina do policial, algo que sempre esteve muito longe e, contraditoriamente, muito perto da vida cotidiana o cidadão comum.

Arte é o aprendizado da tolerância

"São vozes narrativas muito próximas, que têm muito em comum, compartilhadas por dois projetos simultâneos que são os dois livros 'Elite da Tropa' e os dois filmes 'Tropa de Elite'. São obras em diálogo, mas obras distintas", explica Luiz Eduardo Soares, uma das maiores autoridades em segurança pública no Brasil. Sobre a parceria nos livros com Cláudio Ferraz, André Batista e Rodrigo Pimentel, e nos dois filmes "Tropa de Elite", nos quais divide o argumento com a equipe do diretor José Padilha, Soares diz que foi uma surpresa, mas comemora o sucesso. "No Brasil, de fato é um modelo pouco usual. Mas parece que deu certo e tem tudo para se repetir em outros projetos", reconhece.

Na mesa de trabalho de Soares estão também outros projetos em parceria com Padilha. Desde o fim das filmagens de "Tropa 2" (imagem acima), em março de 2010, e depois do sucesso de bilheteria – que alçou o filme ao recorde de arrecadação do cinema brasileiro, superando o marco histórico de “Dona Flor e Seus Dois Maridos”, adaptação de Bruno Barreto do romance de Jorge Amado – a equipe do diretor trabalha em vários projetos paralelos.

Quatro desses novos projetos foram anunciados por Padilha: dois roteiros sobre educação e pirataria, em filmes de ficção, mais a adaptação de um romance norte-americano ("Marching powder: a true story of friendship, cocaine and South America's strangest jail", que traz as memórias do traficante Thomas McFadden, co-escritas por Rusty Young) e a transformação em documentário do livro de Soares, "Nunca Antes na História Desse País", que aborda episódios do Governo Lula.

"Este 'Nunca Antes na História Desse País' não será exatamente um documentário", revela Soares. "Será uma obra de ficção em diálogo com a realidade, com as liberdades narrativas que o cinema proporciona. Mas o projeto ainda está bem no começo", explica. O próximo livro também está com data marcada para chegar às livrarias. "Será a biografia de um traficante internacional que ganhou status de celebridade", diz Soares, que prefere não anunciar por enquanto o nome verdadeiro do biografado.

Outro projeto de Soares é um álbum de histórias em quadrinhos, em parceria com o artista gráfico Marcos Wagner, que também deve ter lançamento em breve. "Tenho aprendido nestes anos que o trabalho criativo é sempre fascinante, mas também é gerador de muita insegurança. Não há fórmula mágica. Não tem como antecipar se o retorno será positivo ou negativo", conclui Soares.

Ainda sobre o sucesso do projeto “Elite da Tropa” e sobre a vida cotidiana surrealista dos policiais no Rio de Janeiro ele comenta: “Não tem um segredo para o sucesso. Mesmo com todo investimento, ou aquilo acontece para o grande público ou não acontece. Não tem como saber. Já sobre a vida cotidiana do policial brasileiro, e no Rio de Janeiro em particular, sei que é algo muito louco. Ele vai todos os dias às zonas de guerra e depois retorna de ônibus para casa e para a normalidade no final do expediente. Isso é muito surrealista", diz Soares.

Confira alguns trechos da entrevista.


O sr. concorda que os dois livros "Elite da Tropa" e os dois filmes "Tropa de Elite" perseguiram os acertos de outros projetos, especialmente o documentário "Notícias de uma Guerra Particular" e a adaptação do romance "Cidade de Deus" para o cinema?
 
Luiz Eduardo Soares – Sem dúvida nenhuma. Os dois filmes que você cita podem ser tomados como antecedentes importantes do primeiro e do segundo "Tropa de Elite". Aprendi muito com o filme do João Moreira Salles e da Kátia Lund e adoro o livro do Paulo Lins, no qual o filme "Cidade de Deus", do Fernando Meirelles e da Kátia Lund foi baseado. 

 "Notícias de uma Guerra Particular" foi ao "x" do problema quando não se falava da presença de traficantes e chefes do morro, como se eles não existissem...

 
Concordo plenamente. O filme do João é muito especial, porque foi pioneiro ao trazer ao mesmo tempo a palavra do traficante do morro e a palavra do policial. Ele foi aos dois extremos naquele documentário. Já "Cidade de Deus", o filme, relata somente o universo do tráfico, enquanto "Tropa de Elite" vai em outra direção para encontrar o universo do policial. O filme do João mapeou os dois universos e os filmes que vieram depois seguiram com focos específicos.

O diretor José Padilha declarou que os protagonistas de "Tropa de Elite" lembram outros heróis da literatura que viraram sagas marcantes no cinema, como James Bond e Dom Corleone. A comparação é correta?

 
Não sei se concordo com a comparação entre "Tropa de Elite" e os filmes do Agente 007, mas com a saga de Dom Corleone a analogia é perfeita. Creio também que "Tropa de Elite", tanto o primeiro quanto o segundo filme, remetem a certos heróis do cinema como aquele de "Taxi Driver", do Martin Scorsese. Ou seja, são personagens fortes, incomuns, que comovem e fazem pensar, sem necessariamente ser um convite para que o público venha a adotar aquela visão de mundo ou aquele comportamento doentio. Não é este o papel da grande arte, representar e sensibilizar o público, sem forçá-lo a aderir a uma determinada atitude? A arte precisa ensinar, oferecer a possibilidade da experiência, precisa estabelecer um diálogo com o diferente. Arte é o aprendizado da tolerância.

Considerando a repercussão dos dois filmes e a importância do cinema como marco cultural e antropológico, qual é o lugar da saga "Tropa de Elite" como possibilidade de intervenção na realidade do cidadão brasileiro?

 
É uma questão difícil de responder. O fato é que os livros "Elite da Tropa" e os dois filmes "Tropa de Elite" conseguiram atingir alguns nervos e, ao mesmo tempo, passaram a fazer parte do imaginário de boa parte da população. Foi um sucesso imprevisível, até para nós que estávamos envolvidos no projeto desde o início. Tenho pensado muito sobre a dimensão política de tudo isso, que é inevitável.

por José Antônio Orlando. 

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Polícia & Ladrão. In: Blog Semióticas, 25 de novembro de 2011. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2011/11/policia-ladrao.html (acessado em .../.../...).

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Cahiers du Cinéma

 

 

Vejo a cultura como uma tentativa

permanente de aniquilar com a arte.

Cultura é a regra. Arte é a exceção...

––  Jean-Luc Godard   

O parisiense Jean-Luc Godard revolucionou o cinema. Ousado e criativo, polêmico e sempre destacado entre os grandes criadores da história do cinema, Godard continua a pleno vapor. Já na estreia todas estas qualidades apareciam irrecusáveis: ele primeiro foi crítico da lendária revista "Cahiers du Cinéma" e depois passou a criar curta-metragens experimentais, alguns premiados, como o irônico "Charlotte et Véronique, ou Tous les garços s'appellent Patrick" ("Todos os rapazes se chamam Patrick", 1957), antes de surgir como o cineasta genial de "Acossado" ("À Bout de Souffle", 1960), no qual adotou diversas inovações e quebrou um tabu que vigorava há muitas décadas ao filmar em apenas quatro semanas, um tempo recorde, com a câmera na mão e sem roteiro concluído.

"Acossado", que segue ao pé da letra o significado do título original (a expressão "à bout de souffle", em francês, pode ser traduzida por "sem fôlego"), seria aclamado como uma obra-prima, um filme-manifesto que deu origem ao extenso movimento de renovação da linguagem do cinema que ficaria conhecida como Nouvelle Vague e iria influenciar cineastas do mundo todo, inclusive do Brasil, onde sempre teve fiéis discípulos desde Glauber Rocha (1939-1981) e a primeira geração do Cinema Novo, na década de 1960. A proposta de Godard e da equipe de críticos, roteiristas e cineastas ligados à "Cahiers du Cinéma": quebrar antigos dogmas, valorizar a direção e reabilitar o espírito criativo do filme de autor.

Segundo Godard, "politique des auteurs": o diretor reconhecido, enfim, como o único e principal autor na produção do filme. Na estreia espetacular de "Acossado" e em outros grandes filmes que faria a seguir, Godard redescobre a política e os paradoxos de uma crítica implacável contra as guerras patrocinadas por grandes corporações armamentistas e imperialistas e por uma arte que é provocação e desafio contra o senso comum – um cinema constituído por narrativas sistematicamente iconoclastas e pela recusa à sintaxe cinematográfica tradicional.

Jean-Luc Godard e François Truffaut:

dois nomes do primeiro time da revista

 Cahiers du Cinéma e da Nouvelle Vague.
Também acima, a íntegra do curta de 1957
de Godard, Charlotte et Véronique, ou tous
le garçons s'appellent Patrick.. 

No alto, Alfred Hitchcock  com Truffaut,

fotografados em 1962 por Philippe Halsman

durante as célebres entrevistas que depois

foram transformadas em livro. Abaixo,

a capa do primeiro número da revista

Cahiers du Cinéma, publicado em abril

de 1951, tendo André Bazin como mentor,

com o célebre fundo amarelo que seria mantido

até outubro de 1964. Neste primeiro número,

a ilustração da capa é um fotograma de

Sunset Boulevard (Crepúsculo dos Deuses),

filme de 1950 de Billy Wilder com

Gloria Swanson e William Holden.

Também abaixo: 1) Godard com

Agnès Varda, única mulher entre os

cineastas da Nouvelle Vague, durante um

encontro de intelectuais da França em 1967

contra a Guerra do Vietnam, fotografados por

Raymond Depardon; 2) a reunião de gigantes

da Nouvelle Vague e da Cahiers du Cinéma no

Festival de Cannnes em 1968, tendo a partir

da esquerda, Claude Lelouch, Godard, Truffaut

e Louis Malle, com o polonês Roman Polanski

à direita; e 3) Godard no Festival de Cannes,

em 1962, com sua musa Anna Karina, que foi
sua esposa e estrela de oito de seus filmes

.




.




.

A suma importância do cinema revolucionário de Godard e as possibilidades que ele e seus companheiros de geração da "Cahiers du Cinéma" e das produções da Nouvelle Vague inauguraram ou redescobriram fornecem os argumentos analíticos ao livro do crítico de cinema e ensaísta Mário Alves Coutinho. "Escrever com a Câmera: A literatura cinematográfica de Jean-Luc Godard", lançamento da Editora Crisálida, traz uma versão da tese de doutorado que o autor defendeu na Faculdade de Letras da UFMG.

Coutinho examina a filmografia de Godard e se detém em alguns dos clássicos do cineasta que marcaram época e se tornaram referência para cinéfilos e pesquisadores de áreas diversas. Com atenção a detalhes que revelam ideias e conceitos, o pesquisador enumera uma série de evidências nos filmes para defender que Godard, ao fazer cinema, fez literatura – através de todo um processo que Coutinho define como "experimentação dos possíveis da linguagem". 

 

Efeitos de linguagem

A palavra, em certos filmes de Godard, é o fio condutor da análise de Coutinho. "O uso da palavra, em cada um dos muitos filmes que ele fez e vem fazendo, muitas vezes em contraponto ao uso da imagem e do som, sempre foi um recurso a mais para Godard exprimir sua arte e fazer cinema. É curioso você perceber a importância da palavra nos filmes de um cineasta radical como ele sempre foi. Ainda mais que o cinema é uma arte cujo elemento de linguagem mais importante teria sido sempre a imagem", destaca o autor, apontando passos do itinerário de um saber inquieto que Godard soube transformar em grandes cenas, dispersas em ideias e sequências de uma filmografia das mais incomuns.

"A palavra, a escritura, o jogar e o brincar com as palavras, o questionamento da linguagem, são recursos essenciais do cinema de Godard, em praticamente toda sua obra", defende Coutinho, que coloca em destaque no livro a quantidade de efeitos de linguagem nos filmes do cineasta de “Acossado”, "A Chinesa" e "Alphaville", entre outros clássicos: jogos de palavras, frases escritas em jornais e nas paredes, uso de cartazes e pôsteres impressos, questionamentos explícitos da linguagem, a literatura citada várias vezes, paronomásias.

Jean Seberg e Jean-Paul Belmondo em cenas
de Acossado (À Bout de Souffle), filmado por

Godard, em sua estreia como diretor de

longas-metragens, com roteiro de Truffaut.

Abaixo, as cenas de beijo em Acossado e em

O demônio das onze horas (Pierrot Le Fou). 

No alto, Anna Karina e Belmondo em cena
de Uma Mulher é uma Mulher, filme de 1961
de Godard, na capa da Cahiers du Cinéma 

Os efeitos da palavra nos filmes de Godard, alerta Coutinho, potencializam ao extremo as interfaces recorrentes do cinema com a literatura, patentes desde os primeiros filmes, no final do século 19. "Será que poderíamos dizer que em cada um de seus filmes Godard mostra claramente uma ambição não só de fazer cinema, mas, também, e ao mesmo tempo, de fazer literatura?", questiona com propriedade o autor de "Escrever com a Câmera: A literatura cinematográfica de Jean-Luc Godard".

Coutinho conclui a entrevista fazendo questão de ressaltar que Godard é dos artistas que estão sempre reinventando os caminhos e os meios pelos quais sua arte ganha expressão. Entre cenas e diálogos marcantes da trajetória do cineasta que o entrevistado vai enumerando, recordo o aforismo de outro mestre inventor, Ezra Pound (1885-1972), para quem “os artistas são as antenas da raça”. Coutinho aplaude a lembrança e destaca, de imediato, duas ou três revoluções do cinema que tiveram Godard e suas antenas sempre alertas como protagonista. 

Acima, Marguerite Duras e Godard em

1979; Isabelle Huppert em cena de

“Salve-se quem puder”, filme de 1980; e

"Film Socialism" (2010), de Godard,

metáfora sobre a crise nos países da Europa,

filmado a bordo do navio Costa Concordia.

Abaixo, Oskar Werner e Julie Christie em

“Fahrenheit 451” (1967) e François Truffaut

durante as filmagens. Na trama, a história de

uma sociedade futurista em que os livros

são proibidos, adaptada do romance de

Ray Bradbury, cujo título faz menção à

temperatura em que o papel pega fogo, e que

teve trilha sonora de Bernard Herrmann,

compositor favorito de Alfred Hitchcock

 

Sem Hitchcock

A equipe original de redatores, editores e colaboradores da revista "Cahiers du Cinéma", criada em 1951 por André Bazin, Jacques Doniol-Valcroze e Joseph-Marie Lo Duca, além de Godard incluía críticos que ganhariam destaque como cineastas nos anos seguintes, entre eles Bresson, Cocteau, Alexandre Astruc, Éric Rohmer, Maurice Scherer, Jacques Rivette, Claude Chabrol e aquele que talvez ainda hoje seja o nome mais identificado com a revista pelos cinéfilos do mundo todo: François Truffaut (1932-1984).

Como se não bastasse o esmero de Truffaut como crítico e cineasta, há quem diga que coube a ele, através de seu trabalho na "Cahiers du Cinéma", mudar o juízo de valor que público e crítica tinham sobre vários nomes em destaque no cinema de sua época, entre eles um certo Alfred Hitchcock. Nas críticas que publicou sobre os filmes do mestre do suspense, e na série de entrevistas que fez entre 1962 e 1967, depois editadas em livro, Truffaut criou um divisor de águas sobre a arte maior de Hitchcock.

 

François Truffaut e Alfred Hitchcock na charge
que ilustrou a publicação original em 1967 do
livro Hitchcock/Truffaut: Entrevistas. Acima,
o cartaz original do filme de estreia de Truffaut
na direção de um longa-metragem, em 1959,
Les 400 Coups (no Brasil, exibido com
o título "Os Incompreendidos").

Abaixo, Jeanne Moreau no cartaz original de
Jules et Jim (no Brasil, "Uma mulher para dois"),
segundo filme de Truffaut, de 1962, e em cena do
filme junto com Henri Serre e Oskar Werner
   

Realizador de obras-primas desde seu filme de estreia em longa-metragem, em 1959, o autobiográfico "Os Incompreendidos" ("Les 400 Coups") – e após três curtas premiados e com elogios unânimes da crítica ("Une Visite", de 1955; "Les Mistons", de 1957; e "Une Histoire D'Eau", de 1958, este em co-direção com Godard), François Truffaut demonstrou com seu livro-entrevista o que poucos haviam percebido até então: que ele era um jornalista surpreendente, capaz de transformar uma série de entrevistas em uma aula de cinema e uma aula de jornalismo, e, principalmente, que Hitchcock era um criador tão extraordinário quanto aqueles pioneiros que criaram as estratégias narrativas mais inventivas da linguagem cinematográfica, como Méliès, Griffith, Chaplin ou Orson Welles. 

Hoje pode parecer lugar comum dizer que Hitchcock dominava plenamente seu ofício, que ele era extremamente minucioso e perfeccionista ou que poucos cineastas como ele estavam mais interessados em extrair sempre mais e mais da sua arte. Mas Truffaut foi o primeiro entre todos os críticos e cinéfilos de sua época a perceber e demonstrar cada um destes detalhes. Palavras de Truffaut, na apresentação ao livro-entrevista sobre o trabalho do mestre: Hitchcock era alguém que inventava o cinema a cada filme.

 

Filho de um humilde vendedor de legumes e verduras, o inglês Alfred Hitchcock (1899-1980) abraçou o cinema desde a juventude e durante décadas construiu sua reputação como mestre dos filmes de suspense. Na segunda metade do século 20, passou a ser reconhecido pelas plateias e pela crítica como um dos mais populares nomes do cinema de todos os tempos. O “mestre do suspense” trouxe muitas inovações técnicas que vão muito além da direção personalíssima e dos roteiros sofisticados.

São atribuídos a Hitchcock grandes revoluções em posições e movimentos de câmera, algumas das mais elaboradas edições já realizadas, utilização surpreendente de trilhas sonoras que realçam personalidades, além de uma série de situações e efeitos narrativos que se estendem a outros filmes de outros diretores, que passaram a ser definidos com o adjetivo “hitchcockiano”. Hitchcock tem sido homenageado com frequência, desde sua morte, em 29 de abril de 1980, pelos principais festivais internacionais de cinema. Mas nem sempre foi assim.

Grandes tributos para marcar os 30 anos sem o mestre aconteceram e se repetem em Veneza, Berlim, Londres, Nova York e até em Havana, Cuba, assim como aconteceu no 63º Festival de Cannes, que teve Hitchcock como principal homenageado e abertura com a exibição de gala de uma cópia restaurada, com cenas inéditas, de “Psicose” (1960), um dos muitos sucessos de público e crítica entre as obras-primas do mestre do suspense. 

Do cinema mudo à invenção do 3D

Como sempre destacou Truffaut, Hitchcock representa, sob vários aspectos, um resumo na história do cinema: nasceu em Londres pouco mais de um ano depois da invenção dos Lumière e começou na profissão de fazedor de filmes no auge do cinema mudo. E fez o que muitos gênios de sua época não conseguiram: superou todas as adaptações do mudo para o falado.

 

Truffaut e Hitchcock fotografados em 1962

por Philippe Halsman durante as célebres

entrevistas que mudariam o juízo de valor

de críticos do mundo inteiro sobre Hitchcock

O sucesso de Hitchcock em Londres chamou a atenção dos executivos de Hollywood. Em 1939, ele embarca para a América e lança seu primeiro filme na Meca do cinema em 1940: "Rebecca", que conquistou o Oscar de Melhor Filme. Daí seguiria uma sequência impressionante de grandes filmes, escrevendo, dirigindo e produzindo grandes campeões de bilheteria, além de se tornar um dos primeiros do primeiro escalão de Hollywood a produzir e dirigir uma série de filmes para a recém-inventada TV. 

Também fez com maestria a passagem do preto-e-branco ao colorido, marcou a técnica e a evolução da linguagem e realizou 54 filmes espetaculares em 54 anos de carreira, lançando experiências pioneiras de efeitos especiais que vão das primeiras imagens em tecnicolor às primeiras experiências com projeções em terceira dimensão, hoje relançadas como novidade e chamadas de 3D.

O sucesso na arte e nas bilheterias, por ironia do destino, nunca resultou em grandes homenagens nem prêmios importantes: nunca conquistou um Oscar nem foi condecorado em vida pelos principais festivais – motivo pelo qual o tributo em Cannes e em outros templos do cinema chega a ser absurdamente tardio para o gênio de Hitchcock e para a legião de fãs incondicionais que ele mantém entre um público que inclui muitos e muitos cineastas e críticos de cinema. 

 

Em 1920, Alfred Hitchcock era um rapaz

magro e de bigode aos 21 anos, quando

teve seu primeiro salário no mundo do cinema:

foi contratado como auxiliar de desenhista de

letreiros para os filmes mudos. A grande chance

viria em 1923, quando o produtor Seymour Hicks

ofereceu a Hitchcock a co-direção do filme

"Always Tell Your Wife", pois o diretor original

havia ficado doente. Também acima, Hitchcock

em família, com a esposa Alma Reville e a única

filha, Patricia, no embarque da Inglaterra para

os Estados Unidos, em 4 de março de 1939.

Abaixo, Hitchcock em 1940, durante as

filmagens de Rebecca, sua estreia no cinema

norte-americano e único dirigido por ele a ter

recebido o Oscar de Melhor Filme. Também

abaixo, o diretor nas filmagens de Psicose,

Janet Leigh na célebre sequência do chuveiro

e o cartaz original de "Psicose" em 1960

Sempre citado e copiado, o criador de "Um Corpo que Cai" (1958), "Janela Indiscreta (1954), "Os Pássaros" (1963) e "Festim Diabólico" (1948), entre tantas obras geniais, recebeu raras homenagens em vida. Sem grandes prêmios, as principais honrarias que teve talvez tenham sido a condecoração como "Sir" pela rainha da Inglaterra e, em 1967, a publicação do livro "Hitchcock/Truffaut: Entrevistas" – que provocou uma reviravolta ao apontar o diretor de “Psicose” como um dos maiores artífices da história do cinema.

Enquanto o autor-diretor Hitchcock era visto como um cineasta mediano e comercial nos EUA, para Truffaut e os jovens diretores e críticos da "Cahiers du Cinéma", ele era aclamado por sua genialidade. O livro emblemático ganhou uma versão definitiva do próprio Truffaut em 1983, quando foram acrescentados os últimos trabalhos do mestre. Publicado pela primeira vez no Brasil em 1986, pela extinta editora Brasiliense, esgotou rapidamente nas livrarias e passou a ser disputado em sebos e bibliotecas, aclamado como uma das mais importantes publicações sobre cinema de todos os tempos.

Aula sobre o cinema

Considerado pela crítica especializada e pelos cinéfilos uma aula fundamental sobre a história e os segredos da sétima arte, o livro foi relançado recentemente pela Companhia das Letras, com nova tradução e projeto gráfico, centenas de imagens e prefácio inédito do crítico e professor Ismail Xavier. Nas saborosas entrevistas a Truffaut, Hitchcock analisa um a um todos os seus 54 longas-metragens e outros tantos curtas e filmes feitos para a TV. Também explica em minúcias os efeitos a que recorreu para criar cenas antológicas, resgata scripts abandonados e revela anedotas impagáveis sobre si mesmo e sobre alguns de seus grandes astros e estrelas. 

Poético e rigorosamente jornalístico, o livro de entrevistas "Hitchcock/Truffaut" abre o primeiro capítulo com um diálogo dos mais emblemáticos, que vai adquirir outros nuances ao longo de 16 capítulos em mais de 200 páginas de perguntas e respostas e imagens de tirar o fôlego. François Truffaut pergunta: Senhor Hitchcock, o senhor nasceu em Londres em 13 de agosto de 1899. De sua infância, conheco apenas uma história, a da delegacia. É uma história verdadeira?

Alfred Hitchcock: Sim. eu tinha talvez quatro ou cinco anos. Meu pai me mandou à delegacia de polícia com uma carta. O delegado a leu e trancou-me numa cela por cinco ou dez minutos dizendo "veja o que se faz com os meninos maus".

François Truffaut: E o que o senhor tinha feito para merecer isso?

Hitchcock: Não posso imaginar. Meu pai sempre me chamava de "minha ovelhinha sem pecado". Realmente, não posso imaginar o que possa ter feito. 

Imagens de Hitchcock em 1960, no set

de filmagens de Psicose: no alto, com

Anthony Perkins; acima, em fotografias

promocionais de Jean Loup Sieff

para o lançamento de Psicose.

Abaixo, o cineasta durante as

filmagens de Marnie, em 1964, com

Sean Connery; uma seleção de cartazes

originais de filmes do mestre Hitchcock,

com destaque para Os pássaros e

Lifeboat (Um barco e nove destinos),

filme de 1944; e o mestre com sua esposa

e principal colaboradora durante toda a

carreira, Alma Reville, fotografados em

Hollywood, em agosto de 1963, por

Phil Stern, durante o trabalho nos

estúdios da Paramount e em casa,

na intimidade, após o jantar

O papel de Alma

Hitchcock é um mundo: cada filme encerra complexidades de conteúdo e questões técnicas que traduzem, descobrem, inventam formas de tradução de ideias e de interpretações de raciocínios em linguagem cinematográfica. Mas falar das obras-primas que ele realizou desde a década de 1920 implica, necessariamente, em destacar a participação fundamental de uma parceria que, durante mais de 50 anos, ele manteve com a esposa, Alma Reville. Descrita pelos biógrafos do cineasta como extremamente inteligente, dedicada ao marido, discreta, otimista, Alma sempre atuou à sombra do marido, desconhecida para o público e vivendo intensamente os papeis de roteirista, montadora (edição dos filmes) e produtora dos grandes sucessos do mestre do suspense.

Nas entrevistas com Truffaut, a senhora Alma Reville mal aparece na conversa. Mas, logo no início, Hitchcock admite que, sem ela, ele jamais teria conseguido financiamento para seu primeiro filme. O mestre, em poucas palavras, também explica como sua mulher o ajudou a superar muitas dúvidas e inseguranças. "Depois de cada trecho de filmagens”, confidencia Hichcock a Truffaut, “o tempo todo, desde o início de tudo, eu costumo olhar para minha esposa e pergunto: E então? Está indo bem? Funciona?"....

Aparições do mestre 

Também conhecido entre seus pares de Hollywood por ser um mestre do marketing, Hitchcock usou em vários de seus filmes um recurso, que ele mesmo inventou, que faria história e teria muitos imitadores: o “cameo” (em português, “camafeu”), uma "participação especial". Hitchcock é visto em aparições breves, geralmente no início de seus filmes, segundo ele próprio para não distrair o público do enredo principal. Há "cameos" de Hitchcock em todos os seus 54 longas, mas algumas das aparições do mestre são quase enigmas, difíceis de identificar. Confira a lista com algumas delas:

Rear Window (Janela Indiscreta, 1954) – Hitchcock aparece 

dentro do apartamento do pianista. 

Psycho (Psicose, 1960) – passa com chapéu de cowboy 

em frente ao carro em que Marion está.

Frenzy (Frenesi, 1972) – aparece no meio da multidão que está às margens do rio quando um corpo da vítima aparece boiando. 

Suspicion (Suspeita, 1941) – aparece enviando uma carta 

no posto dos correios da cidade. 

O beijo memorável dos protagonistas

James Stewart e Grace Kelly em cena

de Janela Indiscreta (“Rear Window”, 1954).

Truffaut declarou certa vez que era impossível

não notar que Hitchcock "filmava cenas de

amor como cenas de crime, e cenas de crime

como cenas de amor. Acontece que em seus

filmes fazer amor e morrer são a mesma coisa"

Shadow of a Doubt (A Sombra de uma Dúvida, 1943) – aparece num trem jogando cartas com um homem e uma mulher.  

Spellbound (Quando Fala o Coração, 1945) – sai do elevador do Empire Hotel carregando uma maleta e fumando um cigarro. 

Blackmail (Chantagem e Confissão, 1929) – aparece em cena como um passageiro no metrô que é importunado por um garoto. 

Family Plot (Trama Macabra, 1976) – aparece de perfil por trás do vidro de uma porta como se estivesse a falar e a gesticular. 

Dial M for Murder (Disque M Para Matar, 1954) – aparece no canto inferior esquerdo de uma foto pendurada na parede da sala. 

The Birds (Os Pássaros, 1963) – aparece passeando pela calçada 

do lado de fora da loja de animais. 

Lifeboat (Um Barco e Nove Destinos, 1944) – inicialmente, o diretor teve a ideia de aparecer como um corpo boiando próximo ao barco. Porém, entusiasmado com seu sucesso na tentativa de perder peso, decidiu aparecer posando para fotos "Antes & Depois" a respeito de um remédio para emagrecimento mostrado num jornal. 

Rope (Festim Diabólico, 1948) – aparece duas vezes. Logo no início, 

aparece atravessando a rua. Mais tarde, uma caricatura de Hitchcock
aparece num neon que reflete na janela do apartamento. 

Notorius (Interlúdio, 1946) – aparece em uma festa realizada 

na mansão de Alexander Sebastian.

O cineasta completamente apaixonado pelas
belas mulheres de seus filmes: acima, com
Grace Kelly no set de Disque M para Matar.

Abaixo, com Kim Novak, fotografados durante
as filmagens de Vertigo; com Tippi Hedren, na

abertura do Festival de Cannes, em 1963, quando

Os pássaros teve exibição Hors Concours;

 e com Ingrid Bergman e Cary Grant

durante as filmagens de Notorius

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Vertigo (Um Corpo Que Cai, 1958) – aparece aos exatos 11 minutos 

de filme, caminhando em frente ao estaleiro de Gavin Elster. 

Strangers in a Train (Pacto Sinistro, 1951) – aparece aos 5 minutos 

de filme, embarcando no trem com um contrabaixo. 

Foreign Correspondent (Correspondente Estrangeiro, 1940) – aparece aos 12 minutos de filme, lendo um jornal e usando um chapéu. 

Rebecca (Rebecca, A Mulher Inesquecível, 1940) – aparece bem no final 
do filme, na rua, perto de uma cabine telefônica. 

• The Lady Vanishes (A Dama Oculta, 1938) – aparece quase 

  ao final da Victoria Station, fumando um cigarro. 

  
  

  North by northwest (Intriga Internacional, 1959) – aparece logo no começo do filme, em cena de 15 segundos em que corre para pegar o ônibus. 

  
  

  Topazio (Topázio, 1969) – aparece na estação de trem, numa cadeira de rodas,

  depois se levanta para cumprimentar um homem. 

  
  

  To Catch a Thief (Ladrão de Casaca, 1955) - aparece em torno dos dez minutos, sentado ao lado de Cary Grant em um ônibus.

       Marnie (1964) – aparece no começo do filme, no corredor do hotel.

por José Antônio Orlando.

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Cahiers du Cinéma. In: Blog Semióticas, 19 de novembro de 2011. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2011/11/cahiers-du-cinema.html (acessado em .../.../...).

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